MEMORIAS Y RESISTENCIAS: GALERÍA VIRTUAL


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Introducción

Instruments of Memory y el Museo de las Mujeres Costa Rica presenta MEMORIAS Y RESISTENCIAS: MUJERES | ARTISTAS| HISTORIAS AFROLATINAS Y CARIBEÑAS, un proyecto curatorial que reúne investigaciones de Claudia Mandel Katz (Argentina-Costa Rica), Adriana Palomo (Argentina), Claudia Pretelin (México-Estados Unidos) y Sussy Vargas Alvarado (Costa Rica), cuatro historiadoras latinoamericanas cuyo trabajo para esta exposición se centra en un enfoque integrado de género, uniendo distintas latitudes a través de una misma temática. Esta muestra virtual incluye la obra de dieciocho autoras contemporáneas de más de diez países en Latinoamérica y el Caribe. Agrupa imágenes fotográficas y audiovisuales que investigan y documentan la diáspora africana y afrodescendientes en Latinoamérica. Y desde una perspectiva multidisciplinaria, reflexiona sobre estas comunidades vistas desde la mirada de mujeres artistas, enfatizando la importancia de comprender su legado en nuestro continente.

Para esta exposición cada curadora seleccionó un grupo de artistas estableciendo redes de contacto e investigación con las autoras. Por medio de reuniones virtuales, se generaron conversaciones y exploraron las posibilidades de brindar una mirada general, aunque no exhaustiva, a lo que sucede en nuestra contemporaneidad latinoamericana. Uno de los ejes temáticos que une los trabajos aquí presentados se centra particularmente en la identidad y la necesidad de comprender nuestras semejanzas y diferencias desde distintos puntos dentro de las culturas que nos definen. La identidad, comprendida como una construcción cultural que tiene que ver con los procesos de socialización y resocialización, los cuales son mecanismos de autodefinición e identificación que atraviesan a lo largo de nuestras vidas (Arancibia, 2016), es fundamental en esta exposición.

¿Qué significa ser afrolatina, afrocaribeña o afrodescendiente?

MEMORIAS Y RESISTENCIAS: MUJERES | ARTISTAS| HISTORIAS AFROLATINAS Y CARIBEÑAS ofrece una gama excepcional de investigaciones artísticas que, desde el giro feminista interseccional y los estudios de la memoria, interroga y analiza historias visuales de mujeres de la diáspora africana y afrodescendientes en América Latina y El Caribe. A partir de un enfoque histórico, social y político, la exposición explora una compleja multiplicidad de temas: la lucha contra la discriminación y el sexismo, la identidad como forma de resistencia, la deconstrucción de las representaciones de raza y de género, así como del papel que asume el cuerpo y la sexualidad en la construcción de las subjetividades subalternizadas.

Los textos curatoriales escritos desde distintas aproximaciones geográficas y enfocados en formas particulares o generales a las prácticas artísticas en Latinoamérica, brindan un panorama esquemático de algunas de las preocupaciones que atañen a esta investigación. Cabe resaltar que ambas organizaciones trabajan sin fines de lucro y que las colaboraciones con las artistas y entre agentes culturales es un esfuerzo de difusión y contribución solidaria para futuras investigaciones. Para esto, se respetaron los textos recibidos de parte de las artistas, los cuales explican de forma individual las investigaciones, inquietudes y acercamientos personales de cada proyecto.

Como parte de la exposición, Instruments of Memory en colaboración con el Museo de las Mujeres Costa Rica ofrecerá programación que comprende una inauguración virtual, así como pláticas con las artistas y curadoras.

Agradecemos a las artistas participantes desde las distintas latitudes en las que esta exposición pudo ser realizada. Los derechos de las imágenes corresponde a las artistas y colectivos. Todas las imágenes son cortesía de las participantes. Agradecimiento especial a las siguientes organizaciones: Museo Nacional de Costa Rica, Archivo Vargas Goodfellow, Archivo Wimmer Lutz.

A los visitantes de la muestra les sugerimos hacernos llegar cualquier comentario o sugerencia a contact@instrumentsofmemory.com

Curadoras:

Claudia Mandel Katz (Argentina/Costa Rica)
Adriana Palomo (Argentina)
Claudia Pretelin (México/Estados Unidos)
Sussy Vargas Alvarado (Costa Rica)

Accede a los textos curatoriales dándole click en el nombre de cada curadora.

Referencias bibliográficas
Arancibia, M. (2016). La “identidad”, como una construcción cultural para la sociología. Arancibia, M. (2016). La “identidad”, como una construcción cultural para la sociología. Revista Sincretismos Sociológicos. Nuevos Imaginarios, 1 (2). pp.2-16.

AYLEE IBAÑEZ (CUBA/ARGENTINA)

Addimú
Proyecto en proceso

Addimú (ofrenda) es una serie de autorretratos inspirados en la ascendencia de la religión yoruba, que llegó a Cuba con los esclavos durante la colonización. Las obras constituyen una interpretación personal de las leyendas de los orishas (dioses) y representan la forma en que me relaciono con mi hogar. En cada imagen mezclo el universo visual y simbólico que sincretiza mitos y rituales yoruba con una visualidad contemporánea dominada por objetos religiosos, coronas metálicas y trajes plásticos, así como el uso del bodypainting para resaltar temas tradicionales de la cultura africana. Continúa leyendo AQUÍ.

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Aylee Ibañez es una fotógrafa y documentalista afrocubana radicada en Buenos Aires, Argentina. Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de La Habana en 2008 también fue alumna de Arte de Conducta, proyecto artístico y pedagógico dirigido por la artista cubana Tania Bruguera. Años más tarde decidió mudarse a Buenos Aires donde, en 2020, realizó una Maestría en Periodismo Documental de la Universidad Nacional de Tres de Febrero. En 2016, su cortometraje Massamba fue premiado como Mejor Cortometraje Documental en el Festival Internacional de Cine de Montaña (Colombia); Actualmente se encuentra trabajando en la postproducción de su primer largometraje. Paralelamente a su formación profesional, Ibañez ha realizado cursos de fotografía en varias escuelas de Fotografía de Buenos Aires (Motivarte, Cooperativa de la imagen) y ha desarrollado un fuerte interés por la expresión performativa que la ha llevado a participar como performer en videodanzas, con otros colectivos artísticos, grupos de danza y en su obra fotográfica. Sus investigaciones visuales remiten al apego a las creencias y prácticas yorubas de sus ancestros en Cuba.

CAROLINA FUENTES (MÉXICO)

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El nacimiento de los negros

¿Quiénes son los Mascogos?

Su identidad nace de la asociación entre negros e indígenas fugitivos de la península de Florida. Los mascogos llegaron a México a mediados del siglo XIX después de sufrir guerras y deportaciones, cuando solicitaron refugio al gobierno mexicano a cambio de defender la frontera de los indígenas lipanes y comanches. A finales de 1851, en recompensa a sus servicios, fueron autorizados a asentarse en El Nacimiento de los Negros.

Hoy en día están ubicados en El Nacimiento, Coahuila, en el municipio de Melchor Múzquiz, y en diversos puntos en el sur de Texas. Continúa leyendo AQUÍ.

Carolina Fuentes Quezada nace en Saltillo, Coahuila, México, el 20 de diciembre de 1977. Es una artista visual y fotógrafa cuyo trabajo se centra principalmente en el paisaje y sus múltiples variaciones, que descubre durante viajes y trayectos personales. Su trabajo se ha expuesto en muestras individuales y colectivas en museos, galerías y centros culturales en México y en el extranjero. Su obra se encuentra en colecciones privadas y públicas incluyendo el Centro Queretano de la Imagen y la Galería Libertad en Querétaro. Su obra ha sido seleccionada finalista en varios concursos del país y ha sido acreedora en tres ocasiones al Programa de Estímulo para la Creación y Desarrollo Artístico de la Secretaría de Cultura. Fue invitada a participar en el proyecto del Centro de la Imagen llamado PICS Plataforma de Imágenes Contemporáneas, que muestra una visión general de la fotografía en México. Fue seleccionada para cursar el Programa de Fotografía Contemporánea 2018 con Javier Ramírez Limón. Artista seleccionada para participar en FAMA, la primer feria de arte accesible en Monterrey, Nuevo León. Carolina vive actualmente en Querétaro y trabaja en sus proyectos fotográficos.

CLAUDIA PRECHEDES (BRASIL/ARGENTINA)

La Mente Trata De Olvidar

Esta serie fotográfica reúne imágenes de archivos analógicos y autorretratos actuales que investigan la genealogía y las relaciones sociales y narran situaciones íntimas, violencia doméstica y varios otros temas recurrentes en esta sociedad.

A través del autorretrato, encuentro conceptos y entendimientos para cada enfrentamiento que conduzca a un mensaje específico. Narro situaciones de una infancia perdida, a través de la selección de cada componente para que pase una tensión con dimensiones íntimas, señalando una perspectiva micropolítica, a través de metáforas expongo todo lo que se incluye en un espacio que remite a lugares y situaciones en la memoria.

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Claudia Prechedes. Afrodescendiente, radicada desde 2017 en Buenos Aires, Argentina. Estudió diseño gráfico en la EPA Escola Panamericana de Arte e Design de São Paulo, con los años migró a la fotografía y se especializó tomando cursos, capacitaciones y talleres enfocados en la fotografía artística contemporánea. Entre sus numerosas exposiciones colectivas, se destacan: 2a Bienal Black Brasil, “Sem nome” Fundación Mamani Mamani (La Paz, Bolivia), “Exposición Fotográfica del Posicionamiento de la Fotografía Emergente” Kaee Kunst (Berlín, San Luis Potosí, MX), Residência Artística virtual “Fotografía & Território” de FotoCreativaBA (Argentina). Trabaja con videoarte, fotografía de archivo, artes visuales, fotografías digitales y analógicas, en algunas utilizó una mezcla de interferencia digital. Recursos al servicio de mostrar los cambios culturales que experimentó en sucesivas migraciones, indagar temas desde la perspectiva femenina, generar espacio para expandir y documentar la lucha de las mujeres negras. Vivir en Buenos Aires la conectó totalmente con el feminismo y percibir su intención de expresar su denuncia, generar una discusión y conciencia social. Metáforas y pensamientos silenciados los incorpora a los temas que aborda en sus fotografías.

GERTRUDIS RIVALTA OLIVA (CUBA/ESPAÑA)

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Visiones de Evans

La cultura cubana es machista. Cuando Walker Evans hizo sus fotografías en la Habana, de alguna manera plasmó esa característica, incluso cuando fotografió mujeres, ellas nunca miran desde la autonomía, sino que mas bien cargan con todas las sospechas:  Barriobajeras, prostitutas, amas de casa…Walker Evans también capturó el malestar de la gente.

Desprendiéndome de mi parte blanca

Desprenderse de los ancestros, pero también de lo que me rodea, del racismo y la xenofobia. De ese peso pegajoso; sobre mí insultante; inevitable en mi pasado y en mi presente, castrante. Me lavo las manos dentro del laberinto del minotauro blanco y emerge mi parte mestiza. También lo negro es complejo y queda lejos. Sigue en espera la ansiada acogida.

Gertrudis Rivalta. Vive y trabaja entre Alicante y La Habana. Egresada del Instituto Superior de Arte de la Habana (Ciudad de La Habana) en 1996. Rivalta ha desarrollado su carrera artística principalmente entre Cuba y España, pero su obra ha sido expuesta en los cinco continentes. En 1997, su obra fue incluida en la primera (y muy polémica) muestra realizada en Cuba sobre la raza y el lugar que ocupan los negros en la sociedad cubana denominada Queloides (I Parte), Casa del África. Cuba. Rivalta ha expuesto su obra en las más importantes galerías e instituciones cubanas entre las que destacan el Centro Wilfredo Lam “Visiones Ocultas” (2001), Fototeca de Cuba, galería 23 y 12, Museo Nacional de Bellas Artes y Centro de Desarrollo de las Artes Visuales”. Comienza su experiencia internacional de la mano del importante crítico de arte Kevin Power y fue incluida por él en su proyecto “98: cien años después” que se exhibió en el Museo de Ponce (San Juan. Puerto Rico), Centro Cultural (Manila. Filipinas), Museo de Arte Contemporáneo de Badajoz (Badajoz. España) y en el Complejo Morro-Cabaña (La Habana. Cuba). En 1998 realizó una exposición individual titulada “Evans or not Evans” en la Universidad de Alicante, presentando una revisión de la obra del fotógrafo norteamericano Walker Evans. Ha sido artista residente en el Hemispheric Institute de la Universidad de Nueva York y ha realizado la exposición Selectes Pages en la Galería Thomas Nickles Porject en Nueva York. Recientemente también ha participado en las muestras Silent Specific (2020) y The Abyss of the Ocean (CCCDAI Digital exhibition) (2022)

JOIRI MINAYA (REPÚBLICA DOMINICANA)

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Collages recientes

Recientemente he vuelto al collage, partiendo de obras como #dominicanwomengooglesearch y la serie de postales relacionadas con esta instalación. En el proceso de viajar por el Caribe y dejar clandestinamente mis collages impresos como postales en diferentes tiendas de regalos, también coleccioné algunas de las postales que se vendían en las distintas tiendas. Estas postales recopiladas, junto con la investigación en varios archivos fotográficos, son un punto de partida para estos trabajos. Continúa leyendo AQUÍ.

Joiri Minaya es una artista multidisciplinaria dominicana-estadounidense cuyo trabajo investiga el cuerpo femenino dentro de construcciones de identidad, espacios sociales multiculturales y jerarquías. Nacida en Nueva York, Estados Unidos, creció en República Dominicana. Se graduó de la Escuela Nacional de Artes Visuales de Santo Domingo en República Dominicana (2009), la Escuela de Diseño Altos de Chavón (2011) y Parsons the New School for Design (2013). Ha participado en residencias como Skowhegan School of Painting and Sculpture, Guttenberg Arts, Smack Mellon, BronxArtSpace, Bronx Museum’s AIM Program, NYFA Mentoring Program for Immigrant Artists, Transmedia Lab at MA Scène Nationale, Red Bull House of Art Detroit, Lower East Side Printshop Keyholder Artist, Socrates Sculpture Park, Art Omi y Vermont Studio Center. Minaya ha expuesto internacionalmente en el Caribe y Estados Unidos. Es becaria de la Fundación Nancy Graves, la Fundación Rema Hort Mann (Beca Artistas Emergentes), la Fundación Joan Mitchell (Becas Artistas Emergentes y Pintores y Escultores), el Gran premio y el Premio del Público XXV Concurso de Arte Eduardo León Jimenes, Centro Premio Exposición de la Imagen (DR), y Gran Premio de la XXVII Bienal en el Museo de Arte Moderno (DR).

KORAL CARBALLO (MÉXICO)

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Siempre estuvimos aquí

Proyecto en proceso

Siempre estuvimos aquí, es un proyecto basado en la fotografía que aún está en proceso que se pregunta e investiga sobre la afrodescendencia en México. Existe un discurso histórico sobre el mestizaje que ha blanqueado el origen de los mexicanos, anclado en la memoria colectiva sobre nuestro origen en un mito sobre una identidad mestiza entre lo indígena y lo español, ocultando otras raíces, como la africana. Poco se menciona sobre el papel que los africanxs tuvieron durante el proceso de la creación del estado nación que ahora es México. El objetivo de esta obra es identificar la raíz africana en nuestra vida cotidiana, el legado de nuestros ancestros, los retos del presente, desencajar el racismo internalizado y la reconstrucción de nuestra historia como afromexicanos.

Esta serie consta de cuatro capítulos: Álbum, Resistencia, Lo que la historia nos debe y La Sangre llama.

El misterio del disfrazado

Esta serie es una exploración visual sobre la historia oral del Carnaval de Coyolillo, Veracruz; una comunidad afromexicana en el sur de México con una historia de libertad histórica . Los fundadores de coyolillo fueron africanos provenientes de Angola y Congo que trabajaron en el campo cosechando caña de las haciendas de la región central del estado de Veracruz durante los siglos XI, XVI y XVII. Los abuelos de Coyolillo cuentan que el esclavista de la hacienda de San Miguel de Almolonga obligaba a sus ancestros a trabajar en condiciones deplorables y con un solo día de descanso al año. Así, sus ancestros para festejar ese día organizaban una fiesta celebrando la libertad. Con el paso de los años esta fiesta se transformó en un Carnaval.

El protagonista de esta celebración son los “disfrazados”, “jejes” o “negros”, que se cubren la cara y se transforman (en una performance dentro de la comunidad) en animales con cuernos, como toros, ciervos y vacas. Esta historia es una alegoría de la historia oral de esta tradición ancestral de libertad que viene de África y se conserva en un pueblo escondido en el valle de Mozambique situado en Veracruz, México.

El misterio de los disfrazados se realizó en colaboración con Octavio López Zaragoza, artesano y cronista afromexicano, Yoel Zaragoza, Omar López, Lizbeth Morales, Henry López, Rafael López, Aracely Carreto, Jesús López, Angelito Rojas, Katya León, Axael Zaragoza y Vanely López.

Este proyecto comenzó con autofinanciamiento de la fotógrafa en una segunda y tercera fase fue apoyada por Africamericanos, FONCA y Women Photograph.

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Koral Carballo es una fotógrafa Afro-mestiza narradora /investigadora de temas como la identidad, la violencia, la migración y el territorio; trabajando en la intersección entre el arte y el periodismo. Ha recibido reconocimientos como el Catchlight Leadership Fellow, Women Photograph + Getty Images Grant, Segundo lugar “Nuestra Mirada” del POY LATAM, Magnum Foundation Global Covid Projects, We Women, el Moving Walls 25 Open Society Foundation, Adelante Reporting Grant, International Women’s Media Foundation, Bronx Documentary Center y Darryl Chappell Grant, Yes Contemporary Artist Grant, becaria del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA-México) para Jóvenes Creadores en el periodo 2018-2019 y 2015- 2016 en la categoría de fotografía, entre otros. Su trabajo ha sido publicado en California Sunday Magazine, Lens de New York Times, Witness de World Press Photo, el blog de la revista Leica International, Libération, Nature Magazine, Agence France Presse, en la plataforma online de la revista DER GRIEF de Alemania con el comisariado de Charlotte Cotton y Alessia Glaviano, en la plataforma de proyectos latinoamericanos PHOTOTAZO. Su obra ha sido expuesta en España, Suiza, Francia, Marrakech, Brasil, Estados Unidos de América, Uruguay, Colombia, Canadá, Guatemala y México. Colabora con el colectivo Ruda.

KUKILY COLECTIVO ARTÍSTICO AFROFEMINISTA
(COLOMBIA, BRASIL, ESTADOS UNIDOS, ARGENTINA)

Bustos performance 2017-2020

Recrear desde el arte la tensión existente entre la negación histórica de héroes y heroínas afroargentinos y los espacios públicos. Contar otra historia en Argentina desde Bustos de mujeres afrodescendientes.

Interpelar a la ciudad con nuestros cuerpos de mujeres afrodescendientes que se erigen como nuevos símbolos de fuerza, de transformación del futuro. Reafirmar nuestro valor y ser visibles con orgullo, ennegreciendo todo, es la consigna.

Toda situación de exposición trae ansiedad, pero crear un mismo cuerpo en comunidad nos empodera y confiamos que nuestro accionar político genere nuevas posibilidades de ser visibles como personas negras.

Idea y dirección Kukily Colleen Ndemeh Fitzgerald – Jasmin Sánchez – Julia Cohen Ribeiro – Lina Lasso.

Intervenciones colectivas performáticas multidisciplinarias en edificios públicos significativos para la historia y el arte nacional. Interactúan con  baile, música, y recitado de textos históricos con representaciones visuales de la historia argentina. 

En cada evento suman la colaboración de mujeres afros, argentinas e inmigrantes, cineastas, fotógrafas y performers.
Facultad de Derecho, Universidad Nacional de Buenos Aires, 2018
Centros Culturales La Confitería y Matienzo, Buenos Aires, 2018
Museo Nacional de Bellas Artes, Noche de los Museos, Buenos Aires, 2018
Museo Histórico Nacional, Noche de los Museos, Buenos Aires, 2019
Museo Nacional de Bellas Artes, Transmisiòn online simultánea Arg – Brasil – USA, Buenos Aires, 2020.

Da click aquí para acceder el video

Kukily Colectivo artístico afrofeminista conformado por Colleen Fitzgerald, Jasmin Sanchez, Julia Cohen Ribeiro y Lina Lasso, artistas de la diáspora africana y con base en Argentina, Brasil y Estados Unidos. Se conocieron en 2016 en Rosario -Argentina- en el marco del “31o Encuentro Nacional de Mujeres, Personas Trans, Travestis y No binaries”, que incorporó al histórico “Encuentro Nacional de Mujeres” por primera vez comisiones afros y aborígenes. Trabajan de manera interdisciplinaria en performance, instalaciones, audiovisuales y gestión cultural. Sus obras abarcan temas como la identidad afrodiaspórica, la auto-representación, la memoria, el conocimiento ancestral y la proyección de un futuro negrx. Su nombre, que se pronuncia kuklé, significa todes nosotres, cada une de nosotres en el idioma Kpelle que es también la tribu liberiana de dónde proviene Colleen. BUSTOS es su primer obra performática que se actualizó y tomó distintas formas según dónde y cómo se presentó.

LEYDI MARITZA VASQUEZ (MÉXICO)

Buscándome en la memoria

Todo inicia con ciertos cuestionamientos personales en relación a quién soy. Más allá del plano social y buscando una respuesta más interna que defina mi personalidad en el presente, de la que emanan ciertos gustos, aptitudes e intereses. Dicho cuestionamiento me lleva a la exploración de la memoria que resguardo, en la que existieron: historias narradas, sentimientos, vivencias, espacios y personas que influyeron en mi interior. 

Durante mi proceso creativo decido voltear al pasado reuniendo las piezas del rompecabezas, encontrando respuestas en aquellos fragmentos fotográficos que he realizado en distintas temporalidades y contextos. Dentro de mi obra existen elementos recurrentes como lo son: tierra, agua, cuerpo, mujer, personajes antropomorfos, plantas y animales. Cada uno de esos elementos juega un papel importante en la intencionalidad de representación. Mi discurso va dirigido a la contemplación y recordatorio del pasado para encontrar respuesta a dilemas presentes. Es desde la memoria de donde emana el imaginario y también parte de las ideas que podemos llegar a tener, por lo cual me baso en ella para compartir una propia representación, en este caso vinculándola con una búsqueda de identidad. 

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Leydi Maritza Vásquez Cortés. Artista plástica y visual afromexicana, originaria de Río Grande, Oaxaca, En su trabajo aborda temas en relación con la memoria e identidad, incidiendo en su comunidad y comunidades aledañas a la suya. Haciendo uso de la fotografía digital y con la intención de seguir compartiendo parte de la cultura en México, su obra es tanto personal como colectiva. Durante su proceso creativo ha tenido la oportunidad de participar en proyectos académicos y colaborativos con la universidad Autónoma Benito Juárez de Oaxaca y actualmente es parte del Directorio de mujeres afromexicanas y del taller cimarrón.

LILIANA ANGULO CORTÉS (COLOMBIA)

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¡Quieto Pelo! Proyecto de construcción colectiva sobre la tradición del peinado y el cuidado del cabello en las comunidades afrodescendientes

Durante el tiempo de la esclavitud en Colombia los esclavizados fugitivos usaron los peinados como mapas de escape. Las trenzas y los diseños hechos en la cabeza se usaban como códigos secretos. El estilo trenzado llamado tropas fue utilizado para indicar que la ruta de escape era por tierra y el estilo llamado “espina de pescado” indicaba una fuga en el agua. Algunos estilos significaban rutas azarosas o peligrosas. Mientras se trenzaban los “sucedidos” (algo que pasaba) las personas de la comunidad aprendían sobre los acontecimientos en la mina o la plantación y las acciones a seguir durante la fuga. Se guardaban en la cabeza semillas y oro para sobrevivir en libertad.

Quieto Pelo, es un proyecto de creación colectiva que tiene como objetivo documentar las tradiciones orales y las prácticas asociadas al peinado, el cuidado del cabello y las acciones políticas expresadas por medio del pelo entre las mujeres afrodescendientes de diferentes regiones de Colombia y de América Latina… Continúa leyendo AQUÍ

Liliana Angulo Cortés es una artista plástica afrodescendiente, nacida en Bogotá. Es egresada de la Universidad Nacional de Colombia y tiene una Maestría en Artes de la Universidad de Illinois en Chicago (Beca Fulbright). Ha trabajado en diferentes regiones del país buscando contribuir a las luchas de las comunidades afro desde una mirada colectiva y desde una práctica artística crítica que debilite las manifestaciones estructurales de poder basadas en la desigualdad social. Explora la memoria y el poder desde cuestiones de representación, identidad, discursos de raza y desarrollo. Investiga el cuerpo y la imagen desde cuestiones de género, etnia, lengua, historia y política; Investiga estos temas de fondo desde prácticas performativas, tradiciones culturales, casos de reparación histórica y trabajo colaborativo directo con organizaciones sociales. Tiene exposiciones individuales y colectivas en Colombia e internacionalmente en Europa, Asia, América y el Caribe. Entendiendo la práctica artística como integral, trabaja en todas las dimensiones del campo artístico. Ha trabajado en el Sector de Cultura de la ciudad de Bogotá.

LUISA NIEVES RONDÓN (VENEZUELA/COSTA RICA)

Híbridas

Desde hace muchos años me he sentido atraída sobre todo lo referente al “ser mujer”, específicamente sobre lo femenino, desde el punto de vista de la fuerza telúrica, intrínseca que existe en nosotras. Descubrir lo que nos mueve, lo que nos moldea y claro, las conexiones ineludibles de todo esto con lo natural y sus ciclos.

Al comenzar la carrera de fotografía centré mi atención precisamente en este tema. Todo lo que tiene que ver con la concepción de lo femenino, ha sido el eje central de mis curiosidades artísticas y por tanto de mi trabajo fotográfico en general.

Híbridas nace como un estudio sobre lo simbólico femenino que se encuentra dentro de las diosas o deidades que habitan el universo del sincretismo venezolano… Continúa leyendo AQUÍ.

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Luisa Nieves Rondón. Fotógrafa radicada en Costa Rica desde el año 2015. Realizó sus estudios técnicos de diseño gráfico y licenciatura en fotografía en la Universidad Veritas. Ha trabajado en diferentes áreas dentro del mundo de la fotografía, sin embargo, su interés se ha centrado en la fotografía artística conceptual, centrando su atención en todo lo que tiene que ver con el tema del “ser mujer”, específicamente en lo que involucra a “lo femenino”, con la idea de descubrir lo que mueve y moldea a esta figura, y sobre todo las conexiones ineludibles de esta con lo natural y sus ciclos.

MAR DÍAZ (COLOMBIA/ARGENTINA)

Aquí estamos

Aquí estamos: las negras, marronas, afrodescendientes, indígenas y originarias, trabajadorxs del arte y la cultura, decididas a romper el silencio e ir construyendo otras historiografías. Aquí estamos en un acto político, con el fin de subvertir los lugares de trabajo que nos fueron impuestos en esta sociedad colonialista, racista y patriarcal. Aquí estamos para visibilizar la práctica artística como trabajo, y a nosotrxs como productorxs de investigación, saberes, historia y capital cultural. El reconocimiento social del arte como trabajo es un paso esencial para su digna remuneración. Aquí estamos es el producto de un proyecto colectivo realizado con la colectiva negras (si) y marronas, en el marco del proyecto. Todas somos trabajadoras, aliadas por la justicia económica y la resistencia a la explotación del capital el patriarcado y el racismo.

Volverán los abrazos

Volverán los abrazos, nace del confinamiento ocasionado por la actual pandemia que atraviesa el mundo, es una pieza audiovisual que narra las “políticas afectivas”, amorosas y de cuidado de las mujeres negras, indígenas y afrodescendientes.

Volverán los abrazos, las tardes con turbantes, las noches negras y los mates compartidos es una celebración de la vida, una voz de esperanza en medio de este contexto de narrativas de terror, muerte, discriminación y racismo que atravesamos en América Latina y el mundo. Volverán los abrazos es una pieza poética, política de resistencia de cuerpas negras, abrazarnos, darnos la mano, trenzarnos, cuidar nuestros afros y usar turbantes, son políticas de cuidados ancestrales que nos mantienen vivas, tras años de lucha y resistencia en nuestros territorios. Volverán los abrazos es la unión de nuestra voces, quienes expresamos que: Las vidas negras importan/ Black Lives Matter.

La obra se inauguró el 25 de Julio del 2020 para conmemorar el Día de la Mujer Afro latina, Caribeña y de la Diáspora y circuló por WhatsApp, la  red social y plataforma de mensajería instantánea más usada por todas las generaciones en tiempos de aislamiento social y preventivo, decretado para prevenir la propagación del COVID-19.

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ReVeladas

ReVeladas surge de un proceso de búsqueda, de autoafirmación y de construcción de identidad. Durante tres años la fotógrafa afrodescendiente, Mar Díaz, se ha dedicado a capturar con su lente a los rostros de mujeres negras en Argentina. Al tiempo que compone un relato visual poético, revela y afirma tales rostros, resignificando su ancestralidad, su historia, su piel y sus raíces. Identidad, género e historia presencian este relato visual que rompe el silencio y alza las voces de las mujeres negras que habitan este territorio. ReVeladas es una declaración política e histórica de resistencia de cuerpos femeninos negros que en sus miradas revelan, afirman y articulan una conciencia colectiva y reivindican su identidad como mujeres negras. La obra interroga estructuras, mitos, discursos y silencios que han acompañado la historia y la identidad nacional. Los retratos se articulan para visibilizar una etnia negra y nos enfrentan con el reflejo de lo que somos. Es el espejo de un grito en el silencio.

Mar Diaz. Artista visual graduada de la Universidad Pedagógica y Tecnológica de Colombia. Vivió en Barrancabermeja, cerca del río y los paisajes cálidos. A lo largo de su vida ha estado rodeada de fotografías de retratos influenciada por su padre y su abuelo materno, amantes de la conservación de los recuerdos familiares. Desde el año 2013 vive en Argentina, donde ha realizado estudios en género, fotografía y la Especialización en Arte Terapia de la Universidad Nacional de las Artes (UBA). Activista visual afrodescendiente; miembro fundadora de la asociación “Tertulia de mujeres Afrolatinoamericanas”. En su trabajo explora temas como la identidad, el género y el territorio; utiliza el lenguaje fotográfico como una herramienta política de cuestionamiento de un sistema capitalista, colonialista, racista y patriarcal. Su obra es un proceso de construcción de identidad, es un relato visual poético cargado de una herencia ancestral. Sus fotografías han sido publicadas en diferentes medios y libros en países como Colombia, Brasil, Argentina, España y EEUU. 2021- Artista invitada en la Bienal de África “Fórum pan- africano para a cultura da paz”, tercer puesto en “Vivas nos queremos fest” (Ecuador), 2019 seleccionada para ser publicada en la revista de arteBA 2018, y premiada en el espacio feminista “Agenda de las mujeres”reconocimiento AFROFEMINISTA”

MARCELA BERTOZZI (COSTA RICA)

Mito

El Caribe, región de los pueblos del mar, exuberante, de identidades cambiantes y multiculturales. Por sus aguas cálidas han llegado a través de la historia desde tierras lejanas variedad de colores, formas, olores y sabores; creando en cada región producto del mestizaje: contrastes y diversidad cultural. Hablar del Caribe es hablar de identidades fragmentadas más allá de una identidad única. 

“Al principio sólo existían las palabras, y llegaron acompañadas de una melodía. Así es como se creó el mundo, como la nada fue dividida, como la tierra y el firmamento y los sueños, los dioses menores y los animales, todos ellos, tomaron forma corpórea. 
Fueron cantados.“ Continúa leyendo AQUÍ.

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Marcela Bertozzi. Fotógrafa documental y fotoperiodista independiente. Realizó sus estudios en fotografía en el Colegio Universitario de Alajuela y en la Universidad Veritas. Trabajó con el grupo Nación durante 8 años, en medios de comunicación como Al Día, La Nación, El Financiero y Revistas, además ha colaborado con otros medios Nacionales e internacionales como la Revista Grazia Francia. Ha participado en varias exposiciones colectivas a nivel nacional y en otros países como México y España. En el año 2019 fue jurado del Premio Nacional Mario Roa sobre Fotoperiodismo en Costa Rica, invitada por el Colegio de Periodistas de Costa Rica y Profesionales en Comunicación. Forma parte como una de las fotógrafas que ilustran el libro “Costa Rica con Ojos de Mujer”, lanzado en el 2020, el cuál visualiza la fuerza de las mujeres en la producción y la reproducción de la vida vista por mujeres fotógrafas. Producido por Epsy Campbell Barr, Primera Vicepresidenta de la República de Costa Rica. Es cofundadora de la Agencia Ojo por Ojo dedicada a la fotografía y a la narración de historias, con la que labora actualmente además de trabajar de forma independiente.

MAYA GODED (MÉXICO)

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Tierra Negra

Crecí con el mito del aventurero tío abuelo Antolín. Era el hermano menor de mi abuelo Ángel Goded, refugiado español en México, quien lo había sacado de la cárcel durante el franquismo y lo trajo a vivir a este país.

Antolín fue piloto en las costas de Guerrero y Oaxaca, región conocida como la Costa Chica. En las comidas dominicales en casa de mis abuelos se hablaba mucho de él, y de su amor por esa Costa y sus habitantes. Aunque nunca lo conocí, su espíritu aventurero me marcó, y decidí que yo también quería viajar. Antolín se quedó eternamente en esas hermosas tierras.

Su avioneta se estrelló contra un cerro, en un escarpado paraje próximo a Juxtlahuaca, donde está enterrado. Este trabajo fotográfico se lo dedico a él, a la aventura de vivir, y al placer de viajar y explorar.

Maya Goded. Con sus fotografías, películas y videoinstalaciones, Maya Goded ha documentado el camino de la violencia patriarcal encarnada en el cuerpo de la mujer. A través de los años, ha desarrollado una línea de investigación enfocada en la sexualidad femenina y la violencia contra la mujer, que revela la relación intrínseca entre la violencia de género, el medio ambiente y la tierra. Tras descubrir las huellas de la violencia en el cuerpo de la mujer y la necesidad de sanación, su más reciente trabajo busca retratar las luchas en resistencia de las mujeres del continente americano por defender su territorio y la vida, sanando los tejidos sociales rotos por la violencia sistematizada hacia sus pueblos. Ha desarrollado una forma de trabajo que le permite construir relaciones cercanas y empáticas, basadas en la confianza de aquellas mujeres a las que fotografía. El cuestionamiento permanente sobre las ideas preconcebidas de lo femenino y los conceptos de poder y control la han llevado hacia la experimentación visual. Su obra se ha expuesto en Estados Unidos, América Latina, Europa, China y África, en múltiples exposiciones individuales y colectivas. Ha recibido premios, becas y reconocimientos en distintas partes del mundo, como el National Geographic Storytelling Fellow 2021-2022 (Estados Unidos), el premio Prince Claus Fund (Ámsterdam), el John Simon Guggenheim Fellow, el Premio Eugene Smith (ambos en Nueva York), el Mother Jones Fund (San Francisco), la Medalla al Mérito Fotográfico (México), Sistema Nacional de Creadores de Artes (México), Fotopres´01 de Fundación La Caixa (España) y MasterClass de World Press Photo (Amsterdam), entre otros.

SANDRA ELETA (PANAMÁ)

Portobelo

Se podría decir que, en este ensayo, mi vida y la fotografía se conjugaron. Cuando llegué a Portobelo en los años 70, empecé fotografiando a las personas que resonaban más cerca de mí. Para profundizar en sus almas, me acercaba a ellas hasta lograr que sus presencias, sus auras se dejasen posar en mi lente. Como en una invitación a la danza, nos encontramos en un mismo ritmo, una misma frecuencia. Así fueron apareciendo los protagonistas de esta historia. Josefa, la curandera; Palanca, el que sólo encontraba consolación en los brazos de Ventura, su abuela; el claroscuro de Putulungo, el pulpero; Dulce, la niña con la fuerza y sabiduría de sus ancestros cimarrones; Catalina, la Reina de los Congos… Se podría decir también que, en este ensayo, nació mi identidad fotográfica y que, sin darme cuenta, al confrontarme con mis imágenes me encontré conmigo misma, como nunca, con una mirada renovada.

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Sandra Eleta, estudió Bellas Artes en Finch College e Investigaciòn Social en el New School of Social Research, Nueva York, posteriormente fotografía en el International Center of Photography (ICP) Nueva York. Su trabajo fotográfico ha sido exhibido en la Galerie Agathe Gaillard, Parìs; los encuentros Internacionales de Fotografía de Arles, Francia; Museo de Arte Moderno, ciudad de Panamá; Museo de Arte Moderno ciudad de México, Fotogalerìa del teatro San Martín, Buenos Aires; Burden Gallery, Nueva York, y XXVI Bienal de Sao Paulo entre otras. Entre algunas de sus publicaciones se incluyen: “Portobelo” Editorial Fotográfica La Azotea, impreso en la Argentina 1985-1991; “Darién” libro de viaje, publicado por la Autoridad Nacional del Ambiente (ANAM) y Programa de Naciones Unidas (UNF) en 2007; “El entorno invisible” publicado por la fundación Casa Santa Ana y Editorial RM, Barcelona España, en 2018. Su obra se ha incluido en numerosas revistas especializadas, entre ellas “Camera” de Suiza, “Aperture” de Nueva York, recientemente “Canto a la Realidad”, Ed. Lunwerg, Madrid (E) “Dictionnaire Mondial de la Photographie”, Ed. Larousse, Parìs (F) “A History of Women Photographers”, Noami Rosenblum, Abbeville Press (USA), GB9 (1994) “Our Mothers” – Portraits By 72 Women Photographers – Edited By Vivian Esders (1996), “LOVE” , Harpers Collins 2003.

SHIRLEY CAMPBELL BARR (COSTA RICA)

Rotúndamente negra

Me niego rotundamente
A negar mi voz,
Mi sangre y mi piel.
 
Y me niego rotundamente
A dejar de ser yo,
A dejar de sentirme bien
Cuando miro mi rostro en el espejo
Con mi boca
Rotundamente grande,
Y mi nariz
Rotundamente hermosa,
Y mis dientes
Rotundamente blancos,
Y mi piel valientemente negra.

Y me niego categóricamente
A dejar de hablar
Mi lengua, mi acento y mi historia.
 
Y me niego absolutamente
A ser parte de los que callan,
De los que temen,
De los que lloran.
 
Porque me acepto
Rotundamente libre,
Rotundamente negra,
Rotundamente hermosa.

Shirley Campbell Barr nació en San José, Costa Rica. Creció en una familia de dos hermanos y cinco hermanas, incluida Epsy Campbell Barr, vicepresidenta de Costa Rica. Sus dos abuelas llegaron a Costa Rica desde Jamaica y, desde niña, Campbell hablaba inglés jamaiquino. Asistió a la escuela de artes, Conservatorio de Castella, donde primero estudió poesía con Ronald Bonilla y Osvaldo Sauma. Reconoció que su escritura podría usarse como un instrumento para fomentar el cambio en las percepciones que las personas afrodescendientes tenían de sí mismas y de su lugar en la sociedad. Mientras estaba en el conservatorio, comenzó a actuar en obras de teatro y a estudiar literatura. Asistió a la Universidad de Costa Rica y obtuvo un título en antropología en 1993. Se casó con su compatriota costarricense, Harold Robinson Davis, y debido a su trabajo en las Naciones Unidas, se mudó a Zimbabue en 1994. Tomó cursos de posgrado en historia africana. y feminismo en la Universidad de Zimbabue de Harare, donde vivió dos años.

VANESSA CHARLOT (HAITÍ-ESTADOS UNIDOS)

La sombra de una mujer negra| Black Woman’s Shadow

Estados Unidos, vive en un perpetuo estado de trauma. Para sobrevivir, se mueve performativamente por la vida, sin procesar su angustia. Ella simboliza lo que se ha convertido en la norma estadounidense: duelo, afrontamiento y curación en las sombras mientras lleva la carga que es la negrura de uno. Para muchos, el racismo significa sentirse como un extraño en su propio país. El ciclo de trauma, angustia, dolor, aislamiento y soledad es angustioso e implacable. Al mismo tiempo, nada de esta lucha es nuevo para ella. Esta figura solitaria y sombría siempre ha sido pariente de las mujeres negras. El proyecto plantea la pregunta: ¿cómo afrontan las mujeres negras la alienación y la angustia de su experiencia?

Esta serie de fotografías brinda una visión cruda e íntima de la psique de una mujer negra mientras lidia con este trauma: su angustia, miedo, soledad y angustia al descubierto. Para navegar por su mundo interior y hacer frente al implacable aluvión de traumas raciales y de género en Estados Unidos, se limita a sus espacios más íntimos y privados. ¿Qué otra cosa podría hacer sabiendo que los valores estadounidenses como la igualdad y la justicia no siempre incluyen a las personas que se parecen a ella? Ella simboliza el potencial y las promesas incumplidas hechas a la América negra. El resultado es dolor, tristeza y exasperación, emociones que dan forma a esta serie de fotografías. Si bien es un símbolo de la esperanza de la América negra, todavía lleva una gran carga: amar a un país que no la ama.

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Fire Next Time

Fire Next Time, inspirada en la obra literaria icónica de James Baldwin, da testimonio de las vidas de los residentes negros en St. Louis, Missouri, que viven en un estado perpetuo de furia contra las llamas aparentemente inextinguibles del racismo, la brutalidad y la opresión en la América moderna. Con las comunidades negras enfrentando dos amenazas existenciales para su supervivencia durante el verano de 2020, Covid-19 y la brutalidad policial en curso, las verdades inevitables quedaron al descubierto para ser criticadas y enfrentadas como una sociedad más grande. Este proyecto de archivo es una narrativa visual profunda de la vida en St. Louis a través de la lente de cuerpos racializados paralelos al ciclo de vida del fuego. Se enciende el fuego. Crece. Se quema. Y al final se descompone. Los afroamericanos y sus realidades vividas simbolizan el fuego ardiente de una lucha interminable por la auto afirmación en un entorno hostil: su patria. Continúa leyendo AQUÍ.

Vanessa Charlot es una galardonada fotoperiodista y fotógrafa documental, cineasta, oradora y curadora. Su trabajo se centra en la interseccionalidad de la raza, la política, la cultura y la expresión sexual/de género para explorar la experiencia humana colectiva. Ha trabajado en los Estados Unidos, el Caribe y el Sudeste Asiático. Su trabajo ha sido comisionado por The New York Times, Gucci, Vogue, Rolling Stone, The New Yorker, Oprah Magazine, The Atlantic, The Guardian, Apple, New York Magazine, Buzzfeed, Artnet News, The Washington Post y otras publicaciones nacionales e internacionales. Vanessa da conferencias en el Centro Internacional de Fotografía de Nueva York y recibió el Premio al Valor en el Periodismo de la Fundación Internacional para Mujeres en los Medios para 2021.

VANESSA QUINTERO CASTAÑEDA (COLOMBIA)


En busca de la huella negra

En busca de la huella negra hace un señalamiento de la presencia negra en diferentes lugares, en relación con una memoria histórica que ha quedado impregnada en los diferentes territorios de América. Por ejemplo, las mujeres de origen africano el centro de México, desempeñaron un papel importante en la conformación social, económica y cultural en la colonia. Muchas sufrieron maltratos, sometimientos, injurias y abusos sexuales, otras lograron luchar por sus derechos creando alianzas sociales o familiares, consiguiendo mejores condiciones de vida para ellas y sus descendientes.

En este proyecto fotográfico se trabaja con temas significativos como el paisaje, reconocimiento obligado de un territorio desde el accidente geográfico o la arquitectura. También el retrato en relación con la pintura y la fotografía del XIX, vinculándome directamente con el recorrido de tres mujeres de origen africano que vivieron en época Novohispana y que van relatando sucesos alegóricos y metafóricos de sus vidas: la esclavizada cimarrona, la negra ladina y la ama de leche. Es importante resaltar el papel de estas tres mujeres que en sus diferentes roles, ayudaron a construir desde la cocina, la cama y el seno, gran parte de la identidad americana.

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Vanessa Quintero Castañeda nació en Cali, Colombia. Es artista visual, docente e investigadora egresada del Instituto Departamental de Bellas Artes de Cali-Colombia. Maestra en Diseño Fotográfico de la Universidad Iberoamericana León-México. Realizó el diplomado “Hacía la Autoría Visual en la Fundación Pedro Meyer en México. Exposiciones individuales: “Lumen et Splendor” Espacio Cultural El Sábato Buenos Aires-Argentina (2008), “Road Trip” en Centro Cultural de Cali-Colombia (2016), “Ukuabiri: Casa del anciano” Centro Cultural Casa Aura y Universidad Iberoamericana León-México (2018), “Huella negra: presencia africana en Guanajuato” Galería Humberto Hernández, Cali-Colombia (2020) y “En busca de la huella negra: presencia africana en el Bajío Museo de las Identidades Leonesas-León-México(2022). Ha participado en exposiciones colectivas en León, Bogotá, Barranquilla y Cali. Obtuvo el tercer lugar en el Festival de Fotografía Internacional en León, México. Invitada al conversatorio internacional de Coincidencias y Divergencias fotográficas de la UNAM (2020). Sus fotografías han sido publicadas en los libros “Memoria visual de una ciudad” por la Fundación Función visible, “Percepciones en blanco y negro-Colombia” por ediciones Adèer Ly.nad, y “Pablo Van Wong: Lo creativo obra en la cabeza” por Frontera Sur. Es Socia fundadora de Frontera Sur de Cali-Colombia donde ha desarrollado proyectos curatoriales y expositivos. Ha sido docente en instituciones universitarias, fundaciones, diplomados y encuentros relacionados con las artes plásticas y visuales. Actualmente es docente del Colectivo fotográfico Quiasma, taller de fotografía, coordina el área artística del Encuentro universitario de fotografía e imagen de la Pontificia Universidad Javeriana Cali.

VANEZA SAN MARTÍN MEDINA (BOLIVIA/ARGENTINA)

Vaneza San Martín. Afrodescendiente diseñadora de indumentaria y fotógrafa. Nació en La Paz, Bolivia, a la edad de tres años con sus padres emigró a la ciudad de Buenos Aires, Argentina, donde actualmente reside. Su familia es originaria de la región semitropical de Yungas, centro de la comunidad afro en Bolivia. Durante ese primer viaje en tren de La Paz a Buenos Aires capturò sus primeras fotografías, continuò en su niñez y hasta el presente. Su trabajo hace referencia a su herencia cultural, los orígenes como mujer migrante y los relatos orales en el seno familiar. Explora e investiga la morfología, el color y la estética para evocar en las obras y diseños la esencia de la belleza afrodiaspórica .yunguera. Exhibiò sus obras en centros culturales de Buenos Aires como el “Mercedes Sosa” , el “Florial Gorini”, “El Cuska Risum” y el Teatro Municipal de Lomas de Zamora.

Afroyungueras

1. Sofía Barra, Posee una gran voz, tiene el talento de cantar como las awichas, como las tías, como las ancestras. llegó a Buenos Aires hace más de 25 años, desde su pueblo natal de Mururata.
2. Jesusa Pérez es una mujer optimista con un gran carisma ; mamá de cinco hijos, mujer luchadora que trabaja para y por su familia; arribó a Buenos Aires desde su querido pueblo de Yolosita nor yungas Bolivia.
3. Kuki Medina Vive en Buenos Aires hace 30 años, es repostera de profesión, tiene dos hijos. En su sonrisa lleva la calidez de su pueblo Irupana, un lugar donde siempre es primavera.
4. Gerusa Giménez es la menor de sus hermanos, nació en Cañamina Sud Yungas, vive en Buenos Aires junto a sus hermanos. Extraña mucho a sus padres y siempre que puede vuelve a su pueblo para pasar tiempo con ellos.
5. Roberta Pérez vive en Buenos aires desde que tiene quince años, es mamá, abuela y bisabuela, toda una vida en la gran ciudad, pero sin olvidar su hermoso pueblo de Chicaloma, sud Yungas.

6. Sandy Sorzano León nació en Chulumani sud Yungas, es mamá de dos niños en edad escolar, élla sóla es el sostén de su familia. Posee un gran talento para cantar baladas románticas.
7. Valery Pinedo vive en Argentina desde muy joven, nació en San José de Pasto Pata Sud Yungas. Es mamá de un adolescente y tiene un gran talento artístico para escribir, actuar y bailar.
8. Erika y Lizet Landavery son hermanas, las menores de cinco hermanos, nacieron en Santa Cruz de la Sierra y su familia es oriunda de Coripata Nor Yungas
9. Vaneza San Martín, soy autora de Afroyungueras, nací en La Paz Bolivia, vivo en la ciudad de Buenos Aires desde los tres años de edad.


Acerca de las curadoras:

Claudia Mandel Katz es docente, investigadora y curadora. Profesora de dibujo y pintura por la Academia Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, Buenos Aires, Argentina, Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Buenos Aires, Argentina, Máster en Artes, Doctora en Historia, Doctora en Estudios de la Sociedad y la Cultura por la Universidad de Costa Rica. Autora de los libros Mapa del cuerpo femenino. Una lectura deconstructiva de creadoras visuales en Costa Rica y Estéticas del borde. Prácticas estéticas y violencia contra las mujeres en Latinoamérica y de diversas publicaciones sobre mujeres artistas de Costa Rica, Centroamérica, El Caribe y Latinoamérica.

Subjetividades, imágenes y textos insumisos por Claudia Mandel Katz. Continúa leyendo AQUÍ.

Adriana Palomo es curadora y gestora de arte, investigadora y coleccionista de fotografía antigua especializada en género y memoria social. Focalizó sus investigaciones y práctica curatorial en entender cómo la fotografía muestra realidades y mitos sobre las mujeres en la sociedad. Arquitecta graduada en Universidad Nacional de Buenos Aires UBA, cursó estudios de Curaduría en Artes Visuales enUniversidad Nacional de Tres de Febrero (UNTREF). Presentó conferencias y publicaciones en congresos nacionales e internacionales. Desde 2009 organizó exhibiciones en universidades, congresos y museos en Argentina. Durante la Argentinean Cultural Week 2014 in South Africa exhibió en el Bensudan Museun of Photography (Joannesburg), la muestra “African Paths in Argentina 1844-2014”, que realizó en co autoría con su colega argentina, Irene Jaievsky.

Visualidades y relatos sobre opresiones y resistencias por Adriana Palomo. Continúa leyendo AQUÍ.

Claudia Pretelin es historiadora del arte, investigadora, curadora independiente y administradora de arte mexicana radicada en Los Ángeles, California. Licenciada en Ciencias y Técnicas de la Comunicación, realizó su maestría y doctorado en historia del arte de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). Durante más de diez años trabajó como asistente de la fotógrafa Graciela Iturbide. Su labor académica se ha especializado en los campos de la historia de la fotografía y el arte contemporáneo. A través de un enfoque interdisciplinario, su práctica curatorial se enfoca en comprender los procesos por los cuales individuos y grupos, particularmente las mujeres, recuerdan e interpretan la memoria en sus diferentes manifestaciones. Ha dado conferencias en México, Argentina y Estados Unidos y ha organizado exposiciones y eventos en diferentes museos de arte y galerías de arte, incluido el Rochester Contemporary Art Center (RoCo) y Los Angeles Contemporary Exhibitions (LACE). Es fundadora y curadora de http://www.instrumentsofmemory.com, un sitio en línea que documenta conversaciones con mujeres en las artes, una comunidad que busca promover el trabajo de mujeres de diferentes latitudes. A través de esta plataforma ha organizado Above And Under The Surface (2021) e Instruments of Memory (2022).

De la Costa Chica a El Nacimiento: memoria fotográfica afromexicana por Claudia Pretelin. Continúa leyendo AQUÍ.

Sussy Vargas Alvarado es una artista visual costarricense, fotógrafa, que viene trabajando en arte e investigación desde 1996. Licenciada en Artes Plásticas con énfasis en Pintura de la Universidad de Costa Rica. Máster en Estudios Teóricos del Diseño de la Universidad Veritas. Actualmente está en proceso de conclusión de su Tesis: Derechos de Autor en las Artes Visuales, para obtener su Maestría en Propiedad Intelectual de la Universidad Estatal a Distancia UNED. Realizó estudios de Fotografía en la Universidad de Costa Rica. Desde el año 2000 trabaja como Docente para diferentes carreras en la Universidad Veritas y Universidad de Costa Rica. Desde 1993 se ha dedicado a la realización de obra artística y a la Investigación. Sus obras se han expuesto a nivel Nacional e Internacional. Se ha especializado en Historia de la Fotografía en Costa Rica y procesos fotográficos antiguos. Gracias a esto ha podido colaborar con la restauración, registro, datación y conservación de varios archivos, tanto a nivel privado como en instituciones como El Teatro Nacional, Colegio de Señoritas o Museo Nacional de Costa Rica, entre otros. Como curadora independiente ha sido parte de varias exposiciones importantes entre las que destacan: La mirada del tiempo. Historia de la Fotografía en Costa Rica 1948-2003 (2003) y 24 Fotógrafos proponen fragmentos de nuestra identidad (2002) junto a Ileana Alvarado y El portón Rojo. Una visión de la erótica en el arte costarricense (2017) Museo de Arte Costarricense como co-curadora junto a Roberto Guerrero.

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Entre los tejidos de Anancy y la hibridación por Sussy Vargas Alvarado

El Caribe costarricense y la ciudad de Limón fueron, a finales del siglo XIX y principios del siglo XX, un lugar de encuentros. Como puerto principal, era el punto de arribo de la gran mayoría de europeos e inmigrantes de todo el mundo que llegaban a Costa Rica, ya fuera simplemente de paso para sus negocios o, finalmente, para poblar zonas alejadas o del Valle Central.   

El enclave bananero inyectó a la zona un movimiento comercial de gran envergadura que fortaleció la vida económica del país y llevó a levantamientos sociales de mucha importancia para diferentes sectores de la población. Entre ellos están los grupos afrodescendientes, junto a las luchas de Marcus Garvey o, la lucha de las comunidades indígenas lideradas por Antonio Saldaña, quienes fueron desplazadas por la United Fruit Company (UFCo) en 1909. El impacto de las leyes raciales que se empezaron a gestar desde antes de 1897 afectaron no sólo a los residentes de raza negra sino también a los chinos, árabes, turcos, hindúes y otros que vivían en el Limón de ese periodo. 

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