Este mes en la historia de la fotografía.

Este mes en la historia de la fotografía.

Los siguientes eventos tuvieron lugar este mes en la historia de la fotografía:

Annie Leibovitz nació el 2 de octubre de 1949 en Waterbury, Connecticut. En 1968 inició estudios de pintura en el Instituto de Arte de San Francisco en donde descubrió la fotografía, medio que la sedujo por su inmediatez. En 1973 se convirtió en la jefa del departamento de fotografía de la revista Rolling Stone y se ha dicho que su obra ayudó a definir el estilo y apariencia de la revista. En 1983 se unió a Vanity Fair y produjo algunas de las más memorables portadas para la revista. En 1991 su trabajo se exhibió en el International Center of Photography en Nueva York y de acuerdo a William Hartshorn entonces director del ICP, esta exposición fue designada como una de las más populares en la historia del lugar. Muchas de sus imágenes han sido llamadas íconos de nuestro tiempo, incluyendo la fotografía que tomó de John Lennon y Yoko Ono para la portada de Rolling Stone y la controversial imagen de Demi Moore para la portada de Vanity Fair.

Stephen Shore nació el 8 de octubre de 1947. Sus inicios en fotografía se remontan a la edad de seis años cuando un tío le regaló un set de fotografía Kodak. A la edad de nueve años adquirió su primer cámara 35 mm y para cuando cumplió once años ya estaba convencido de que se convertiría en fotógrafo. En 1960 cuando Shore tenía apenas 17 años, conoció a Andy Warhol. De acuerdo al fotógrafo, este encuentro fue un momento crucial en su vida el cual marcó algunos de los intereses estéticos de Shore. Para 1971, Shore contaba con una exposición en el Museo Metropolitano de Arte en Nueva York convirtiéndose en el fotógrafo vivo más joven en tener una muestra individual en el MET.

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Dorothea Lange, Resettlement Administration photographer, in California. 1936. Library of Congress Prints and Photographs Division Washington, DC 20540

Dorothea Lange falleció el 11 de octubre de 1965 en San Francisco, California a la edad de 70 años. Cuando los doctores le informaron que sólo contaba con algunos meses de vida, la fotógrafa aún pensaba en fotografiar a su familia, realizar un documental con imágenes acerca de la Farm Security Administration y documentar la sindicalización de obreros migrantes en California. Ninguno de estos proyectos se verían completados. El último proyecto en el que colaboró fue para una retrospectiva de su obra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Lange trabajó de cerca con John Szarkowsi, curador del departamento de fotografía del MoMa, en la toma decisiones sobre el contenido y organización de las fotografías. La exposición se inauguró el 15 de enero de 1966, después del fallecimiento de la fotógrafa.

En octubre 27 de 1972, la revista LIFE publicó en su portada una fotografía de Edwin Land en la cual demuestra su nuevo invento la SX-70. Una cámara que podía doblarse al tamaño de una cigarrera y la cual cabía en el bolsillo de un abrigo. La revista tituló el artículo “Un genio y su cámara mágica” y muestra a Land rodeado de niños sosteniendo el modelo SX-70. Esta cámara fue el primer aparato autofocus, motorizado, con sistema plegable y visor réflex que produjo impresiones instantáneas a color. Para 1973, el modelo SX-70 se vendió una proporción de cinco mil por día.

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153: Entrevista con Lodoe Laura

153: Entrevista con Lodoe Laura

“El acto de resistencia tiene dos caras. Es humano y también es el acto del arte.

Sólo el acto de resistencia resiste a la muerte, sea bajo la forma de obra de arte, sea bajo la forma de la lucha de los hombres.”

Gilles Deleuze

 El 27 febrero de 2009, el tercer día de Losar (palabra tibetana para designar el año nuevo), un joven monje de nombre Tapey se auto-inmoló. En forma de protesta contra las políticas del gobierno Chino en Tibet, Tapey corrió a la calle y encendió con fuego su túnica impregnada de gasolina. En llamas, levantó la bandera del Tibet con una fotografía del Dalai Lama al centro. En ese momento, la policía militar china le disparó.

153 es la exposición de la artista Lodoe Laura en el Ryerson Artspace, la cual aborda los hechos ocurridos ese día en febrero y las muertes subsecuentes de 150 tibetanos que han elegido el camino de la auto-inmolación, siguiendo los pasos de Tapey. Recopilando fotografías de aquellos que sacrificaron sus vidas en acto de protesta contra el violento dominio chino en el Tíbet, Laura hace estas muertes visibles para el público occidental a través de una serie de imágenes impresas en incienso. En esta obra la joven Tibetana-Canadiense e hija de un refugiado, nos previene de olvidarlos y hace hincapié en la importancia de la obra de arte como un acto de resistencia.

Me puse en contacto con Lodoe Laura para conocer más acerca de su trabajo y el proceso que siguió para crear 153. La siguiente conversación se llevó a cabo vía correo electrónico.

Claudia Pretelin: ¿Cuéntame cómo te interesaste por el arte? ¿Cómo comenzó todo?

Lodoe Laura: Inicialmente me interesé por la fotografía documental y el fotoperiodismo, pero por medio de mis estudios en la School of Image Arts de la Universidad Ryerson, mi trabajo dio un giro conceptual. Así que además de hacer fotografía, también trabajo video, instalación y escultura.

CP: ¿Cómo elijes los temas que quieres explorar?

LL: Exploro temas de cruces culturales, memoria colectiva y la intersección de prácticas políticas y culturales. Algunas veces mi obra es muy política y trato de trabajar a través de la representación de conflicto y comunidad. Otra veces, mi obra puede ser muy personal. Por ejemplo, el último proyecto que hice fue un video de mi padre enseñándome el alfabeto Tibetano. Escojo hacer obra sobre lo que estoy reflexionando y uso la práctica artística para comunicar esas reflexiones y temas que creo que son importantes.

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Cortesía de la artista Lodoe Laura

CP: ¿Qué tipo de proceso sigues para crear tu obra?

 LL: Comienzo con una idea, la cual por lo general inicia a partir de conversaciones, experiencias o de alguna lectura. Paso tiempo investigando aquello en lo que estoy interesada y busco otros artistas que hayan respondido de una forma similar a esos eventos o experiencias, ya sean poetas, escritores o artistas visuales. De esta manera, el proceso se va desarrollando, cambiando y la obra va tomando forma. Trabajo con varios medios, los cuales me permiten experimentar con libertad y utilizar el medio adecuado para el tema al que me dirijo. A menudo utilizo materiales poco convencionales o utilizo materiales de manera poco convencional. 153 son fotografías impresas a mano con incienso y antes he trabajo con otros materiales como arena coloreada y concreto.

 CP: ¿Cómo utilizas nuevas tecnologías y redes sociales en tu obra?

LL: Para la exposición 153 las imágenes provienen de distintos activistas y grupos de exiliados. Puede ser muy complicado encontrar fotografías o información de las auto-inmolaciones ocurridas en Tibet desde occidente. Esto debido en gran parte al bloqueo de información por parte del gobierno chino dentro de Tibet. Comentar o mostrar imágenes de la gente que se ha auto-inmolado en protesta del clima sociopolítico dentro de Tibet es en directa oposición a la narrativa que las autoridades intentan presentar: Shangri-la un paraíso del Himalaya; una idealizada tierra utópica y mítica. Lejos de esto, las acciones de los auto inmolados son sólo algunas de las muchas formas que los tibetanos están socavando esa narrativa desde dentro. Debo darle reconocimiento a Woeser, autora, activista, y blogger dentro de Tibet quien valientemente escribe sobre los auto-inmolados y tanto su blog como su más reciente libro Tibet on Fire, fueron fuentes primarias de información para obtener nombres, fechas e imágenes.

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Cortesía de la artista Lodoe Laura

CP: ¿Puedes contarnos específicamente sobre los materiales utilizados en el proceso de creación de 153?

LL: El carbón es utilizado en un ritual de oración budista tibetano llamado Sang, humo de ofrenda ritual similar al incienso. La primera parte del proyecto consistió en ir a varios monasterios y casas de la comunidad exiliada donde recolecté el carbón y las cenizas de incienso de la ofrenda Sang. Debido a su uso como ritual de oración, recopilar esto significó para mí una forma de recolectar las oraciones de la comunidad.Después, con mi padre molí, sequé y tamicé la mezcla hasta hacerla un fino polvo. Una vez que acumulé un archivo de fotografías de los auto inmolados en mi computadora, comencé a analizarlas. Debido a la falta de información desde dentro del Tibet, el número depende de acuerdo a la fuente, pero por medio de mi investigación, 153 fue la lista más completa que pude compilar.

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Cortesía de la artista Lodoe Laura
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Cortesía de la artista Lodoe Laura

La mayoría de las imágenes que los grupos activistas pudieron recuperar fueron de teléfonos celulares y con muy baja resolución, así que convertí cada imagen en archivos Bitmap –que lo que hacen es que convierten imágenes fotográficas a color en imágenes hechas sólo a puntos blanco y negro. Posteriormente las imprimí en acetato el cual utilicé para imprimir en las pantallas de serigrafía en el cuarto oscuro.

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Cortesía de la artista Lodoe Laura

Una vez que las pantallas quedaron listas, regresé al incienso que recolecté de la comunidad de exiliados. Mezclé el fino polvo del carbón con tinta tradicional haciendo goma para crear tinta hecha a mano. Utilizando la pantalla como negativo y presionando el carbón y la goma a través de la pantalla hice un positivo en papel. Esto creó las imágenes finales de los auto- inmolados las cuales están expuestas en el Artspace. Si miras de cerca cada imagen, especialmente las que muestran mucho más negro, puedes ver el granulado y la textura del carbón y las cenizas del incienso. Dado el uso como ritual de oración, para mí es una representación no sólo de la protesta de los inmolados, sino una representación de la oraciones de la comunidad de exiliados. Por esta razón, es importante que la textura quede aún visible en las impresiones finales.

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Cortesía de la artista Lodoe Laura

CP: Y también hay un video que acompaña las impresiones.

LL: El video que hice es una base de datos con las fechas de las auto-inmolaciones. La impresión de las imágenes a mano fue un proceso muy lento y de intensa labor, quería hacer algo que contrastara con la repetición lenta de las imágenes impresas. Este video muestra las fechas de cada auto-inmolación en sucesión rápida. Cambia rápidamente de luz extrema a oscuridad extrema. Debido a la rápida sucesión entre ambas, los ojos no tienen tiempo de ajustarse al cambio. Esto pretende crear el efecto perturbador de una imagen posterior, de esta manera las fechas son visibles incluso después de que el observador deja de mirar. Inicialmente me topé con esta idea después de ver la pieza de Alfredo Jaar, Geometry of Conscience en el Museo de la Memoria y los Derechos Humanos. El arte de protesta política será necesariamente insuficiente. Mi trabajo existe sólo como un hilo en una conversación más grande y compleja que se está llevando a cabo en la sociedad tibetana acerca de la auto-inmolación, las protestas y lo que significa que estas acciones se lleven a cabo.

CP: Leí que estás planeando graduarte este año. ¿Qué sigue para Lodoe Laura?

 LL: Una de mis metas ahora que tendré más tiempo es mejorar mi habilidad para aprender el lenguaje tibetano. Estoy asistiendo a uno de mis profesores favoritos, Clare Samuel, en algunas de sus clases y estoy interesada en enseñar en el futuro. Estoy buscando programas de posgrado en Canadá y en el extranjero. He estado en Toronto por siete años y aunque está comenzando a sentirse como mi hogar, tengo la esperanza de un cambio y un nuevo reto.

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Lodoe Laura

Del 1 al 25 de septiembre de 2016

Ryerson Artspace

Gladstone Hotel 1214 Queen Street West, Toronto.

Lodoe Laura es una artista multidisciplinaria que vive y trabaja en Toronto, Canadá. En 2015, fue acreedora de una beca de fotografía de Magnum, actualmente está terminando el programa de fotografía en la Ryerson University’s School of Image Arts. Su trabajo ha sido reconocido con la beca AIMIA½AGO y este año fue ganadora del premio Flash Forward Award otorgado por la Fundación Magenta

Si quieres ver más de su trabajo síguela en Tumblr y/o en su website

Claudia Pretelin es una escritora de la ciudad de México que actualmente reside en Rochester, Nueva York. Terminó la carrera de comunicación y recibió un título de maestría y un doctorado en historia del arte en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM).

Este mes en la historia de la fotografía.

Este mes en la historia de la fotografía.

Los siguientes eventos tuvieron lugar este mes en la historia de la fotografía: [1]

De acuerdo a la historiadora Naomi Rosenblum, los primeros manuales para hacer daguerrotipos llegaron a los Estados Unidos desde Inglaterra en Septiembre 1839, muy poco después del anuncio por parte del gobierno francés sobre la adquisición del nuevo invento.

En Septiembre 1, 2015, el fotógrafo pionero de la fotografía moderna japonesa y co fundador de la revista fotográfica Provoke, murió a las 77 años. Nakahira nació en Tokio en 1938 y se graduó de la Universidad de Tokio en el Departamento de Español. En los años sesenta, se convirtió en fotógrafo de tiempo completo, pero también se desempeñó como escritor, crítico y activista político. En Provoke, propugnó por un estilo fotográfico conocido en su lengua como are, bure, boke, (granulado, borroso y fuera de foco), un estilo que cuestionó si el realismo en fotografía era posible. In 1969, el trabajo fotográfico de Nakahira recibió el Newcomer Award por parte de la Asociación Japonesa de Críticos de Fotografía.

Hace ciento veintiocho años, la marca Kodak nació en los Estados Unidos y pronto se convirtió en sinónimo de fotografía por más de un siglo. En Septiembre 4 de 1888, George Eastman registró formalmente la palabra “Kodak” como la marca de su compañía. Acerca del nombre tan peculiar, Eastman escribió a la oficina de patente británica: “Esta no es una palabra o nombre extranjero; fue inventada por mí para servir a un propósito definido. Como marca tiene los siguientes méritos: Primero. Es una palabra corta. Segundo. No puede ser pronunciada incorrectamente. Tercero. No se parece a nada en el arte y no puede ser asociada a nada en el arte, excepto a Kodak.”

El 5 de septiembre de 1933, Bruce Davidson nació en Chicago. Davidson es considerado uno de los fotógrafos más influyentes de Estados Unidos. Estudió fotografía en el Instituto de Tecnología de Rochester y en la Universidad de Yale. En 1961, recibió una beca Guggenheim para documentar el movimiento de derechos civiles estadounidense. En 1970, su obra más conocida East 100 Street fue exhibida en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Sus fotografías han sido expuestas en numerosas instituciones en los Estados Unidos y en el extranjero y desde 1958 ha sido miembro de la agencia fotográfica Magnum.

La fotógrafa estadounidense Nan Goldin nació el 12 de septiembre de 1953. Goldin es reconocida por las imágenes que componen su obra La balada de la dependencia sexual. Su trabajo ha sido objeto de numerosas exposiciones y dos grandes retrospectivas. La primera, organizada por el Museo Whitney de Arte Americano en Nueva York y la segunda por el Centro Pompidou de París. En 2007, recibió el Premio Internacional de la Fundación Hasselblad y en 2014 fue la galardonada en los Premios Lucie por su logro excepcional en retrato.

Joel-Peter Witkin nació el 13 de septiembre de 1939. Las fotografías de Witkin han sido descritas como grotescas y morbosas. Su visión oscura e imaginativa a menudo hace referencia a otros artistas en la historia del arte y de la historia de la fotografía. Desde Coubert hasta Etienne Jules Marey, Witkin explora diferentes elementos en las obras de otros artistas y los incorpora en su propia obra. Sus fotografías han sido expuestas internacionalmente en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, la Galería Fraenkel en San Francisco, la Galería Baudoin Lebon de París y la Biblioteca Nacional de Francia, entre muchos otros.

El maestro de la fotografía norteamericana Lewis Hine nació el 26 septiembre, 1874 en Oshkosh, Wisconsin. Hine se graduó de la Universidad de Nueva York y comenzó estudios de postgrado en sociología en la Universidad de Columbia. Como fotógrafo, su carrera comenzó en 1905 con una serie de fotografías tomadas en la isla de Ellis. En 1908, Hine renunció a su trabajo como maestro escolar de la ciudad de Nueva York y se convirtió en fotógrafo de investigación de tiempo completo para el Comité Nacional de Trabajo Infantil, para el cual trabajó durante dieciséis años. Hine viajó por los Estados Unidos para fotografiar a niños empleados en fábricas, talleres y minas. Sus poderosas imágenes de niños trabajadores expusieron los devastadores efectos del trabajo infantil y agitaron la conciencia norteamericana. Hacia 1940, año en el que Hine murió, la fotografía social se había convertido no sólo en un método aceptado para documentar, sino que también fue apreciado como una forma de arte.

[1] Image Credit. 11:00 A.M. Monday, May 9th, 1910. Newsies at Skeeter’s Branch, Jefferson near Franklin. They were all smoking. Location: St. Louis, Missouri. Artist: Lewis Hine (American, 1874–1940) Date: ca. 1910 Medium: Gelatin Silver Print 1970.727.3